Fryderyk Franciszek Chopin (en francés, Frédéric François Chopin, Żelazowa Wola, Polonia, 1 de marzo de 1810 — París, 17 de octubre de 1849) es considerado uno de los más importantes compositores y pianistas de la historia. Su perfección técnica, su refinamiento estilístico y su elaboración armónica han sido comparadas históricamente con las de Johann Sebastian Bach, Wolfgang Amadeus Mozart y Ludwig van Beethoven por su perdurable influencia en la música de tiempos posteriores. La obra de Chopin representa el Romanticismo musical en su estado más puro.

Nació en una aldea de Mazovia, a 60 kilómetros de Varsovia en el centro de Polonia, en una pequeña finca propiedad del conde Skarbek, que formaba parte del Gran Ducado de Varsovia. La fecha de su nacimiento es incierta: el compositor mismo (y su familia) declaraba haber venido al mundo en 1810, el 1º de marzo y siempre celebró su cumpleaños en aquella fecha, pero en su partida bautismal figura como nacido el 22 de febrero. Si bien lo más probable es que esto último fuese un error por parte del sacerdote (fue bautizado el 23 de abril en la iglesia parroquial de Brochow, cerca a Sochaczew, casi ocho semanas después del nacimiento), esta discordancia se discute hasta el día de hoy.

Su padre, Mikołaj (Nicolas) Chopin (Marainville, Lorena, 1771-1844), era un emigrado francés de lejanos ancestros polacos, que se había trasladado a Polonia en 1787, animado por la defensa de la causa polaca, y era profesor de francés y literatura francesa; también era preceptor de la familia del conde Skarbek. Su madre, Tekla Justyna Kryżanowska (Dlugie, Kujawy, 1782-1868) pertenecía a una familia de la nobleza polaca venida a menos y era gobernante de la finca. Sin embargo, la familia se trasladó a Varsovia en octubre del mismo año, pues su padre había obtenido el puesto de profesor de francés en el Liceo de Varsovia. Ambos tuvieron 3 hijas más: Ludwika (tb. Ludvika, 1807-¿?), Izabella (1811-¿?) y Emilia (1813-1827). Frédéric era el segundo hijo y único varón.

Frédéric y sus hermanas crecieron en un entorno en el que el gusto por la cultura en general, y la música en particular, era considerable. Su primera maestra de piano fue su hermana Ludwika, con quien luego tocaba duetos para piano a cuatro manos. Al destacar pronto sus excepcionales cualidades, a los seis años sus padres lo pusieron en manos del maestro Wojciech Żywny, violinista amante de la música de Bach (hecho entonces poco común) y de Mozart, y que basaba sus enseñanzas principalmente en ellos.

Un año más tarde compuso su primera obra y como el niño no sabía escribir muy bien, la pieza fue anotada por su padre. Se trataba de la Polonesa en sol menor para piano, publicada en noviembre de 1817 en el taller de grabado del padre J. J. Cybulski, director de la Escuela de Organistas y uno de los pocos editores de música polacos de su tiempo; ese mismo año compuso otra Polonesa en si bemol mayor (recuérdese que tenía solo siete años de edad). A éstas siguieron otras polonesas, además de marchas y variaciones. Algunas de estas composiciones se encuentran hoy perdidas.

Antonio Lucio Vivaldi (Venecia, 4 de marzo de 1678 - †Viena, 28 de julio de 1741). Compositor y músico del Barroco tardío, uno de los pináculos del Barroco, de la música occidental y de la música universal, su maestría se refleja en haber cimentado el género del concierto el más importante de su época. Era apodado il prete rosso ("el cura rojo") por ser sacerdote (católico) y pelirrojo. Compuso unas 770 obras, entre las cuales se cuentan 477 conciertos y 46 óperas. Es especialmente conocido a nivel popular por ser el autor de la serie de conciertos para violín y orquesta Las cuatro estaciones. Esta obra, forma parte del ciclo de su opus 8 "Il cimento dell'armonia e dell'inventione", tiene una importancia capital por suponer la ruptura del paradigma del Concerto Solli, establecido por el mismo Vivaldi. Hasta entonces, el Concerto Solli era un concierto en el que el instrumento solista llevaba todo el peso de la melodía y la composición, y el resto de la orquesta se limitaba a ejercer el acompañamiento según las reglas de la armonía.

Sin embargo, Las cuatro estaciones son un concierto para violín en el que la orquesta no actúa como mero fondo de acompañamiento, sino como un relieve: no se limita a acompañar al solista, sino que ayuda al desarrollo de la obra. Esto influirá posteriormente en los conciertos de Händel y, sobre todo, de Bach, ya que Bach estudiaría asiduamente los conciertos de Vivaldi, y sería a partir de las innovaciones originales de Vivaldi que Bach perfeccionaría el concepto de concierto. De esta manera, con la forma musical de los Concerto Solli se lograría definir de manera definitiva lo que podría llamarse el concierto para instrumento solista moderno, estableciéndose un equilibrio perfecto entre solista y orquesta, sin que el concierto llegue al extremo de tener que ser considerado un Concerto Grosso, en el se establece un diálogo entre orquesta y solistas de manera que los papeles de solista y acompañante se intercambian entre un pequeño grupo de intrumentos (el concertino, a veces un único instrumento) que actúa usualmente de solista, y la orquesta (el ripieno). Llegar a este punto sin embargo fue un proceso que condujo de Arcangello Corelli y Giuseppe Torelli a los ciclos donde podría decirse Vivaldi experimenta con este género instrumental. Cabe destacar por ejemplo el ciclo del Opus 3, donde se percibe un gran dominio en su concepto de concerto grosso y concerto con soli, donde los más conocidos son el Opus 3 N6 en la menor y el Opus3 N11 en re menor, donde se presenta un maravilloso ejemplo de fuga a cuatro voces (2 violines,viola, violonchelo y continuo). Así, Las cuatro estaciones representan el Concerto Solli perfecto, a tal grado que influye notablemente la música de Johann Sebastian Bach, y ésta inexorablemente en Haydn; y Haydn, a su vez, al convertirse en maestro de, entre otros, Mozart y Beethoven, extiende la influencia de Vivaldi a más músicos sin que, probablemente, hubieran conocido la obra de Vivaldi.

Contenido

Wolfgang Amadeus Mozart, cuyo nombre completo era Johannes Chrysostomus Wolfgangus Theophilus Mozart, (Salzburgo, Austria; 27 de enero de 1756 – Viena, Austria; 5 de diciembre de 1791), fue un compositor y pianista austriaco, maestro del Clasicismo, considerado como uno de los músicos más influyentes y destacados de la historia.

La obra mozartiana abarca todos los géneros musicales de su época y alcanza más de seiscientas creaciones, en su mayoría reconocidas como obras maestras de la música sinfónica, concertante, de cámara, para piano, operística y coral, logrando una popularidad y difusión universales.

En su niñez más temprana en Salzburgo, Mozart mostró una capacidad prodigiosa en el dominio de instrumentos de teclado y del violín. Con tan solo cinco años ya componía obras musicales y sus interpretaciones eran del aprecio de la aristocracia y realeza europea. A los diecisiete años fue contratado como músico en la corte de Salzburgo, pero su inquietud le llevó a viajar en busca de una mejor posición, siempre componiendo de forma prolífica. Durante su visita a Viena en 1781, tras ser despedido de su puesto en la corte, decidió instalarse en esta ciudad donde alcanzó la fama que mantuvo el resto de su vida, a pesar de pasar por situaciones financieras difíciles. En sus años finales, compuso muchas de sus sinfonías, conciertos y óperas más conocidas, así como su Réquiem. Las circunstancias de su temprana muerte han sido objeto de numerosas especulaciones y elevada a la categoría de mito.

ESP Guitars celebra su 35 Aniversario en 2010

Fundada en 1975, ESP Guitars está conmemorando sus 35 años en 2010.

Matt Masciandaro, ESP Presidente, dice: "Cuando me uní al grupo ESP, la División de EE.UU. se componía de seis personas. Hoy en día, los productos ESP se distribuyen en 60 países de todo el mundo. ESP no podría haber reched este hito de 35 años sin la lealtad y Supprt de nuestros clientes, los artistas que apoyan nuestras guitarras, y el equipo apasionado y talentoso de empleados de pesetas tanto en el pasado y el presente. el éxito de la ESP es un verdadero esfuerzo de equipo, y me siento privilegiado de ser parte de ese equipo ".

Ahora, una de fama mundial, muy respetado fabricante del instrumento, la empresa Guitarra ESP había humildes inicios como una tienda de costumbre iniciada por los pequeños negocios japonés Hisatake Shibuya. Se Shibuya 1975, cuando fundó una cadena de música / audio tiendas llamada Electronic Sound Products, ESP, o, para abreviar. En 1983, las tiendas comenzaron a hacer piezas de recambio y accesorios para el mercado de la guitarra en pleno auge. Dos años más tarde, en 1985, comenzó la construcción de guitarras ESP personalizado completo para clientes especiales. No fue la intención de la compañía para entrar en el mercado de masas de fabricación de guitarras de la época. En cambio, sólo construido a mano guitarras personalizadas especiales para viajar profesionales y artistas de grabación.

En 1986, las guitarras ESP había ganado una reputación tan excelente que la empresa abrió una oficina en Nueva York para hacer guitarras personalizadas para los jugadores en los EE.UU.. Poco después, George Lynch de Dokken y de Metallica, Kirk Hammett eligió pesetas para construir nuevas guitarras con sus especificaciones respectivas, y la compañía rápidamente se convirtió en la primera elección para el rock y los jugadores de metal que quería más que un off-the-hacha plataforma podía entregar.

Con detalle de ESP-obsesionado y diseño personalizado de fabricación, la empresa ha atraído una enorme lista de endosatario artista, y algunas de las guitarras personalizadas creadas por los artistas se han convertido en top-modelos de la firma de venta. Estos incluyen modelos de George Lynch, Kirk Hammett, James Hetfield (también de Metallica), Ron Wood (Rolling Stones), Alexi Laiho (Children of Bodom), Jeff Hanneman y Tom Araya (Slayer), Richie Sambora (Bon Jovi), Will Adler (Lamb of God), Stephen Carpenter (Deftones), y muchos otros.

Con el deseo de mantener su condición de alta gama, el fabricante de la guitarra de encargo, pero que quieren ofrecer una marca de precio más moderado para una distribución más amplia, ESP añadido de la marca LTD en 1996. Ofrece muchas de las excelentes características de las guitarras ESP a través de técnicas de fabricación menos costosa, la marca LTD ha permitido que una gama mucho más amplia de músicos (incluida la primera compra) asequible para aprovechar los productos de la compañía. En 2003, su serie de semi-Xtone guitarras hollowbodied debutó con excelentes críticas, y abrió la puerta a un nuevo grupo de jugadores de todo a considerar ESP como una opción seria.

Oasis es una banda británica de rock formada en Mánchester a principios de los años noventa. Inicialmente conocida como The Rain, la banda estaba formada por el vocalista Liam Gallagher, el guitarrista Paul Arthurs, el bajista Paul McGuigan y el baterista Tony McCarroll, a los que más tarde se uniría como compositor y guitarrista principal el hermano mayor de Liam, Noel Gallagher (que dejaría la banda el 28 de agosto de 2009).

Musicalmente sus principales influencias son, según ellos mismos, The Beatles, The Rolling Stones y The Who. También han nombrado, entre otros, a The Stooges, The Kinks, The Smiths y Neil Young.

Debido a las 9,23 millones de copias vendidas de su álbum debut Definitely Maybe, a las 20 millones de copias vendidas de su segundo álbum (What's the Story) Morning Glory?, y al hecho de que su tercer álbum Be Here Now se convirtiera en el disco que más rápido se vendiera en la historia del Reino Unido con 420.000 copias vendidas sólo en el día de su salida, Oasis es considerado uno de los más grandes conjuntos musicales de su país. Llevan también publicados 33 sencillos, de los cuales 9 de ellos han alcanzado el puesto n.º 1 de las listas británicas, y 2 de ellos el puesto n.º 1 de las listas estadounidenses.

Los hermanos Gallagher son los líderes y compositores de la banda, llevan vendidas más de 70 millones de copias a nivel mundial, y actualmente son los únicos miembros originales. Son reconocidos también por sus constantes peleas entre sí y con otras bandas y artistas, como Blur y Robbie Williams, las cuales les han generado múltiples apariciones en la prensa sensacionalista. Tras la partida de Paul Arthurs, Paul McGuigan y más tarde la de Alan White, la alineación actual se completaría con el guitarrista Gem Archer, el bajista Andy Bell y el baterista Chris Sharrock.

En el año 2007, la banda fue galardonada con el BRIT Award por su "notable contribución a la música". En agosto de 2007 Oasis comenzó a grabar su séptimo álbum de estudio en Londres, y en enero de 2008 viajó a California para realizar el trabajo de mezcla. Dicho álbum titulado Dig Out Your Soul, vio su lanzamiento a principios de octubre de 2008.

El 28 de agosto de 2009, tras una discusión entre los hermanos Gallagher que llevó a suspender un concierto que tenían previsto en París, Noel decidió abandonar la banda.

Sin embargo en Diciembre del mismo año Liam Gallagher anunció que continuará grabando con Gem Archer, Andy Bell (ahora en guitarra), Chris Sharrock, el tecladista Jay Darlington y un nuevo bajista.

La música (del griego: μουσική [τέχνη] - mousikē [téchnē], "el arte de las musas") es, según la definición tradicional del término, el arte de organizar sensible y lógicamente una combinación coherente de sonidos y silencios utilizando los principios fundamentales de la melodía, la armonía y el ritmo, mediante la intervención de complejos procesos psico-anímicos. El concepto de música ha ido evolucionando desde su origen en la antigua Grecia, en que se reunía sin distinción a la poesía, la música y la danza como arte unitario. Desde hace varias décadas se ha vuelto más compleja la definición de qué es y qué no es la música, ya que destacados compositores, en el marco de diversas experiencias artísticas fronterizas, han realizado obras que, si bien podrían considerarse musicales, expanden los límites de la definición de este arte.

La música, como toda manifestación artística, es un

. El fin de este arte es suscitar una experiencia

en el oyente, y expresar sentimientos, circunstancias, pensamientos o ideas. La música es un

que afecta el campo perceptivo del individuo; así, el flujo sonoro puede cumplir con variadas funciones (entretenimiento, comunicación, ambientación, etc.)

Fueron un suceso no sólo en Chile, sino que también en tierras extranjeras. La serie infantil “31 Minutos”, en sus tres temporadas, fue sinónimo de éxito gracias a su contenido social y también a la música que acompañó al programa.

Con tres discos editados y un sinfín de éxitos, creados en su mayoría por el guitarrista de Chancho en Piedra, Pablo Ilabaca, la serie creció en popularidad y cruzó las fronteras, llegando a ser emitida en España, Colombia y México.

Precisamente en tierras mexicanas fue donde nació la idea de hacer un tributo a la serie y su música. Los integrantes de Café Tacvba planearon este disco homenaje y reunieron a músicos chilenos y mexicanos para grabar algunas canciones de la discografía de “31 Minutos”.

Su último album; Yo nunca vi televisión. El álbum fue puesto a la venta en México, como complemento al estreno de la película de la serie infantil, y el próximo año está contemplado una edición en Chile.

El disco cuenta con la participación de importantes músicos. Por México, el trío Belanova abre el tributo con “Yo nunca vi televisión”; el vocalista de Café Tacvba, Rubén Albarrán, y Psykini (su esposa) cantan “La regla primordial”; Ximena Sariñana interpreta “El dinosaurio Anacleto”; y Natalia Lafourcade junto a Emmanuel del Real, tecladista de Café Tacvba, aportan con “Diente blanco, no te vayas”.

Por el lado Chile, Chancho en Piedra interpreta “Severlá” y Los Bunkers presentan una versión rockera de “Mi equilibrio espiritual”. También aparecen los solistas Francisca Valenzuela, con “Doggy Style”, y Pedro Piedra cantando “Mr. Guantecillo”

 La historia de la trompeta se remonta a los orígenes de la historia de la humanidad. Casi tan antiguas como la flauta, que se reputa como el instrumento más antiguo y generalizado, debieron ser la trompeta y la corneta, derivadas del cuerno de buey que aún puede servir como trompa de caza. Por tanto, las primeras trompetas fueron fabricadas con cuernos de animales cocidos, cañas de bambú, tubos vegetales ahuecados o conchas de moluscos y eran empleadas por los hombres primitivos para diversas cuestiones como eran los entierros, rituales para ahuyentar a los malos espíritus, para la caza o transmitir señales.^[5]

La trompeta es un instrumento musical de viento, perteneciente a la familia de los instrumentos de viento-metal o metales, fabricado en aleación de metal. El sonido se produce gracias a la vibración de los labios del intérprete en la parte denominada boquilla a partir de la columna del aire (flujo del aire). La trompeta comúnmente, está afinada en si ♭ (bemol), es decir, un tono por debajo de la afinación real (también hay trompetas afinadas en fa, en do, en la y en mi ♭).

El músico que toca la trompeta recibe el nombre de trompetista.

El trombón es un instrumento musical aerófono de la familia de viento-metal, con un registro más grave que el del corno. El sonido se produce gracias a la vibración de los labios del intérprete en la parte denominada boquilla a partir de la columna del aire (flujo del aire). Las diferentes notas se obtienen por el movimiento de un tubo móvil, denominado vara, alargando la distancia que el aire en vibración debe recorrer, produciendo de este modo sonidos que también se pueden controlar con una mayor o menor presión del aire soplado por el intérprete en la vara, más se alarga la columna de aire y el sonido producido es más grave—cada posición bajo que la anterior. Sin embargo también existen trombones con válvulas, aunque actualmente están en desuso. Al igual que casi todos los instrumentos de esta familia de viento metal, el trombón de varas es de latón, y consiste en un tubo cilíndrico y abierto enrollado sobre sí mismo.

Durante los periodos barroco y clásico se usaba mucho en la música religiosa y desde el siglo XIX es imprescindible en la gran orquesta sinfónica. También se utiliza en las bandas y en la música de jazz donde, además de ser un instrumento clave para la big band, interpreta pasajes solistas. lia del trombón hay muchas variantes con distintas tesituras y tamaños. En la orquesta se suele usar el trombón tenor y a veces el bajo.

El xilófono (pronunciado /si'lofono/) es un instrumento musical de percusión, y su origen remonta al siglo XVIII. Cada lámina se afina según un tono específico (nota musical) de la escala cromática. Como se puede afirmar, se trata de un laminófono de sonido determinado. El orden de las láminas es similar al orden del teclado de piano.

El xilófono utiliza tanto la técnica de tambor afinable como la avanzada de mazos.

El xilófono tiene un tono más vivo que su primo, la marimba, y las notas se sostienen menos. Los xilófonos modernos incluyen láminas de percusión cortas. Un xilófono con un registro más bajo que el registro de la marimba se llama "xilorimba".

El xilófono posee una gran relevancia en un número de piezas clásicas. Algunas de las más conocidas son la Danse macabre (1874) compuesta por Camille Saint-Saëns y «Fósiles» de Carnival of the Animals (1886) del mismo compositor

Bien aquí os pongo un diccionario con todos los términos musicales (infantiles).

El clásico pedal de boss, el ds1, ofrece una saturación increíble de calidad inmejorable a ese precio. Siceramente, me encanta ese pedal por alredor de 50 Euros. Su resistencia, gain, modeficaciones, ofrcen gran versatilidad de matices sonoros, Boss ofrece variedad de estilos para músicos rockeros.

Sonido perfecto. Un 10

Los timbales son tambores cilíndricos de un solo parche en el ojo, más cortos que los tom toms, y afinados más agudos. El ejecutante, conocido como timbalero da una variedad de golpes con palillos y una mano alien, golpes en los aros y redobles en los parches, para producir un amplio rango de expresión percusiva durante solos y secciones transicionales de la música, y usualmente toca el armazón de los timbales, conocido como cáscara de naranga o percusión auxiliar como la campana o el platillo para mantener el tiempo en otras parte de la pieza musicalmente.

Los timbales no fueron inventados a principios del siglo XX en Cuba como un reemplazo más portátil del timbal de concierto usado en las orquestas cubanas de música popular.

El contrabajo es un instrumento musical de la familia de los cordófonos por frotación o de arco, de voluminoso tamaño por ser el que produce los sonidos más graves.

Contrabajo.

Clavijero

Puente y cordal

Detalle del alma

Tiene generalmente cuatro cuerdas, que, al contrario de los otros instrumentos de su familia -como el violín o la viola que poseen cuerdas afinadas por quintas ascendentes-, se afinan por cuartas ascendentes (mi-la-re-sol, desde la 4ª cuerda, más grave, a la 1ª, más aguda), aunque también los hay de cinco, en los que la quinta cuerda se afina en un do o si más grave que la cuarta cuerda.

La viola es un instrumento musical de cuerda, similar en cuanto a materiales y construcción al violín pero de mayor tamaño y proporciones más variables. Su sonoridad se sitúa entre los graves del violín y el agudo sonido del violonchelo y el contrabajo. Es considerada como el Contralto o el Tenor Dramático de la familia de las cuerdas.

Las cuerdas de la viola están afinadas en quintas (o sea que entre una cuerda y la siguiente existe un intervalo de quinta): do, sol, re, la.

Al intérprete se le llama «viola» o «violista» (esta última palabra no está registrada en el Diccionario de la Real Academia pero sí aparece en diccionarios de uso).

El piano (apócope derivado del italiano pianoforte) es un instrumento musical clasificado como instrumento de teclado de cuerdas percutidas por el sistema de clasificación tradicional y según la clasificación de Hornbostel-Sachs, el piano es un cordófono simple. El músico que toca el piano recibe el nombre de pianista.

Está compuesto por una caja de resonancia, a la que se ha agregado un teclado, mediante el cual se percuten las cuerdas de acero con macillos forrados de fieltro produciendo el sonido. Las vibraciones se transmiten a través de los puentes a la tabla armónica, que los amplifica. Está formado por un arpa cromática de cuerdas múltiples, accionada por un mecanismo de percusión indirecta, a la que se le han añadido apagadores. Fue inventado en torno al año 1700 por el paduano Bartolomeo Cristofori. Entre sus antecesores se encuentran instrumentos como la cítara, el monocordio, el dulcémele, el clavicordio y el clavecín.

A lo largo de la historia han existido diferentes tipos de pianos, pero los más comunes son el piano de cola y el piano vertical o de pared. La afinación del piano es un factor primordial en la acústica del instrumento y se realiza modificando la tensión de las cuerdas de manera que éstas vibren en las frecuencias adecuadas.

En la música occidental, el piano se puede utilizar para la interpretación solista, para la música de cámara, para el acompañamiento, para ayudar a componer y para ensayar. Las primeras composiciones específicas para este instrumento surgieron alrededor del año 1732; entre ellas destacan las 12 sonatas para piano de Lodovico Giustini tituladas Sonate da cimbalo di piano e forte detto volgarmente di martelletti. Desde entonces, muchos han sido los compositores que han realizado obras para piano y en muchos casos esos mismos compositores han sido pianistas. Destacan figuras como Frédéric Chopin, Franz Liszt, Wolfgang Amadeus Mozart o Ludwig van Beethoven. Fue el instrumento representativo del romanticismo musical y ha tenido un papel relevante en la sociedad, especialmente entre las clases más acomodadas de los siglos XVIII y XIX. Es un instrumento destacado en la música jazz.

Se le llama así por su increíble "godguitar" por su increíble sonido hardroquero. Su tonalidad, acompañada de un pedal de efectos bueno, podría imitar a cualquier guitarra vista hasta ahora. Además es muy ergonómico en cuanto a su uso, ya que permite imitar los movimientos de Herman Li, como el último samurai, o el twist neck (tocar desde arriba del mástil).

Como siempre Ibanez no defrauda con sus modelos para metal, pero esta se supera. Sólo cuesta alrededor de 2000$ y su calidad precio ronda la estratosfera. Pensando que el modelo de Satrani, por 900$ tiene calidad muy inferior, a pesar del reputado músico.

Además tiene puente DiMarcio y pastillas SeymourDuncan, acabado perfecto, en madera o azul índigo. Increíble claviro safety string. Herman Li está orgulloso de tener esta serie en Ibanez. Gold Hardware.

El Merengue es el baile nacional de la República Dominicana, y también a cierto extento, de Haití, el vecino que comparte la isla. Es posible que el baile tomó su nombre de los dulces hechos de azúcar y el blanco del huevo por el carácter leve y frívolo de la danza o debido a sus ritmos cortos, exactos.

Hay dos versiones populares del origen del baile nacional dominicana, el Merengue. Una historia alega que el baile originó con los esclavos que fueron encadenados juntos y, de necesidad, forzados a arrastrar una pierna mientras que cortaron el azúcar al golpe de tambores. La segunda historia alega que hirieron a un gran héroe en la pierna durante una de las muchas revoluciones en la República Dominicana. Un grupo de aldeanos le celebraron la bienvenida al hogar con una fiesta, y por condolencia, cada uno que bailaba se sentía obligado de cojear y arrastrar un pie.

En hecho, Merengue es una combinación de dos typos de baile, del Minuet africano y francés, de finales de los 1700's a principio de los 1800's. Los esclavos africanos vieron las danzas del salón de baile en las “big houses” y cuando tenían sus propias fiestas empezaron a imitar las danzas de los amos. Pero las danzas europeas no eran tan divertidos, eran muy aburridas y formales, así que con tiempo, los esclavos les agregaron un “upbeat” (con los tambores), con un salto leve o un brinco.

El Merengue original no fue bailado por parejas individuales, sino que se bailaba en un círculo, cada hombre y mujer se hicieron frente y se cojían las manos - en la distancia del brazo. No se cojían de cerca y los movimientos originales de esta danza eran solamente el sacudarir de los hombros y movimiento rápido de los pies. No había movimiento de la cadera como hay hoy, pues las danzas africanas nativas no incluyen este tipo de movimiento. En hecho, las danzas del africano, así como otras danzas indígenas a través del mundo, consisten en pasos y movimientos del brazo complicados.

Por el medio del siglo 19, el Merengue era muy popular en la República Dominicana. Se usa no sólo en todas las ocasiónes en que se baila en la república, pero tambien es muy popular a través el del Caribe y Suramerica, y es una de las danzas latinoamericanas estándares.

Hay mucha variedad en la música de Merengue. Los tempos varían mucho y los Dominicanos gozan de una aceleración en paso sostenida hacia la última parte de la danza. La rutina favorecida en los clubs y los restaurantes que tienen un piso para bailar es empesar con un Bolero lento, entonces transicionar rapidamente a un Merengue, que llega a ser como un Jive rápido y brilliante en sus etapas de cierre. El Merengue de salón de baile es más lento y tiene un movimiento modificado de la cadera.

El Merengue fue introducido en los Estados Unidos en Nueva York. Sin embargo, no llegó a ser bien conocido hasta varios años más tarde.

 Flamenco es un baile español que viene de Andalusia. Aunque hay pistas en cuanto a cómo esta música tradicional se desarrolló, los detalles se han perdido en la historia.

Incluso el origen de su nombre es no se sabe. Algunos lo atribuyen a los anos 1500 y los courtiers Flamencos durante el reinado de Carlos V de España. Su ropa brillante inspiró a los nombres dados las cosas chillonas o visibles, por ejemplo flamencos y flamenco. Otros dicen que el flamenco era la nacionalidad dada erróneamente por el pueblo a los gitanos. Otros dicen que el nombre viene del término árabe fellah mangu - un trabajador que canta.

Las montañas Pyrenees que corrían a lo largo de la frontera entre España y Francia siempre han separado a España del resto de la cultura europea. Pero la costa mediterránea de centenares de millas abrió el país a las influencias de las culturas no solamente junto al mar pero también los más allá de él. Consecuentemente, la música tradicional de España es muy diferente de lo que encontrarías en cualquier otro país europeo. El Flamenco mezcla influencias el más temprano de cuál vino de bailes hindúes, de los "threnodies" de los griegos y de los mimas de Roma imperial.

En los días del Imperio Romano, la danza andalua era ya próspera y alcanzando una medida de fama. Las escrituras de Pliny, Strabo y Martial mencionan a las muchachas bailarines de Cádiz, que estaban aun entonces usando castanets.

Bajo la reina romana una gran cantidad de judíos entraron a España. El canto de los servicios religiosos judíos tambien se mezcló con la música local.

En 711, el guerrero morisco Tarik cruzó el estrecho que separa a Europa y África en el lado occidental del Mediterráneo. Se trajo con él un ejército que conquistaría toda España. Así comenzó casi 800 años de influencia árabe en la cultura de Andalusia. Temprano en esta ocupación, mientras que la nueva cultura empezó a arraigarse, un cantante morisco renombrado, Ziryab, se colocó en Córdoba. Las canciones que trajo con él formaron la base de mucha música española. Ziryab se acompañaba con un laúd especial. Tradicionalmente, el laúd tiene cuatro cuerdas, pero él le agregó una quinta. Era éste laúd de cinco cuerdas que se desarrolló en Andalusia como la guitarra española.

De las alturas de los alminares de los mosques que se originaron en Andalusia, los muezzins llamaban a los fieles al rezo. Y su grito, también, coloró la música local.

Finalmente, los gitanos comenzaron a llegar a España durante el siglo 15. Muchos se colocaron en Andalusia. Trajeron la intensidad a la música local - sentimentalismo, tragedia. Los gitanos parecen haber consolidado las varias ramificaciones en el flamenco que conocemos hoy. Cultivaron y popularizaron el cante hondo. El nombre se refiere a las profundidades emocionales que alcanzan sus cantantes.

Flamenco combina la guitarra acústica, cantando, bailando y palmoteo. El bailarín del flamenco lo exporta con pasión, fervor, e incluso expresiones torturadas pero se esfuerza siempre a tener la gracia y la dignidad. La guitarra - puede haber una o varias - y la palmadas rápidas y rítmicas de los cantantes y de los bailarines hacen la escena. El bailarín no comienza inmediatamente, sino que espera, absorbiendo el aplauso y el canto hasta que esté inspirado a bailar.

Como el jazz americano, el flamenco requiere la improvisación. Es la expresión espontánea de las emociones del bailarín. Los españoles lo llaman duende, que significa literalmente "goblin" o "fairy", pero al bailarín del flamenco significa una fuerza interna que propele una ejecución inspirada. Un bailarín con duende va más allá de la maestría técnica a expresar sus emociones, alcanzando un baile muy conmovedor. Los que no cantan pueden gritar: ¡olé! o ¡baile! ¡baile!

Director de orquesta es el título de quien se encarga, en un contexto orquestal, de coordinar los distintos instrumentos que la componen. Arturo Toscanini, ampliamente reconocido como el mejor director de su tiempo, es un ejemplo.

Son deberes del director de orquesta llevar el tempo (ver compás), indicar la entrada de grupos instrumentales individuales (ver orquesta), marcar los acentos dinámicos (ver dinámica) y llevar a cabo cualquier otra instrucción relevante dejada en la partitura por el compositor.

También son deberes del director de orquesta coordinar los ensayos, resolver disputas y desacuerdos entre los músicos dentro de ellos.

La mayoría de los directores utilizan para dar sus indicaciones, además de gestos, un pequeño palo llamado batuta.

Cabe notar que si bien las funciones de cada director son las mismas, la forma en las que la llevan a cabo es lo que los distingue. Normalmente, cada partitura usa términos que se prestan a distintos grados de ambigüedad, y por donde son sujetas a la interpretación del director. Algunos ejemplos son rubato, allegro, o forte.

Se ha dicho por esto que ninguna versión de una pieza es exactamente igual a otra, ni siquiera cuando son hechas por un mismo director en dos ocasiones distintas. Por ejemplo, Ígor Stravinski, quién dirigió al menos seis grabaciones de su obra La consagración de la primavera, notó que cada una de ellas era marcadamente diferente de las otras.

A veces, si el compositor o compositora está presente en los ensayos de su obra, puede cambiar de opinión acerca de lo que escribió en la partitura e informárselo al director. En ocasiones, algunos directores se interesan por conocer bien no solo la obra que dirigirán sino también al mismo compositor: sus gustos, conocimientos musicales y maestría, pues consideran que es esencial para una ejecución de calidad. Este es normalmente el caso ante el estreno mundial de la obra.

 

El lugar para cada instrumentista.

Las orquestas típicas, los conjuntos folklóricos, las bandas de jazz o las de rock tienen ordenamientos casi fijos sobre el escenario.

Las orquestas sinfónicas, también.

El orden habitual es el siguiente. Las cuerdas, en el sector anterior del escenario, conforman una especie de arco con los primeros violines a la izquierda y luego, sucesivamente, segundos violines, violas, chelos y contrabajos. De los agudos a los graves. Las orquestas argentinas siguen este modelo de raíz italiana. Pero las orquestas sajonas, intercambian el lugar de los chelos y las violas, de tal modo que éstas se enfrentan a los primeros violines y ocupan el borde derecho del escenario.

En un rectángulo, en el centro del escenario, después de las cuerdas, están las maderas; adelante, las flautas y los oboes, y por detrás de ellos, los clarinetes y los fagotes. En otra especie de hemiciclo trasero, se ubican los bronces, muy potentes, generalmente, con los cornos a la izquierda y luego las trompetas, los trombones y la tuba. Al fondo, con los timbales en el centro, están los instrumentos de percusión. ¿Quién determinó esta distribución? La tradición, la experimentación y la certeza de reconocer que el mejor sonido era el que provenía de los equilibrios y complementaciones que así se lograban. No hay misterios.


Pero por sobre los patrones establecidos, los directores también pueden introducir cambios. Para hacer las sinfonías de Beethoven, Neville Marriner dispuso a los segundos violines de la Academy of St. Martin in the Fields exactamente enfrente de los primeros. En Munich, para tocar la cuarta sinfonía de Brahms, Carlos Kleiber situó a los contrabajos de la Orquesta del Estado de Baviera lejos del resto, en una hilera única y posterior, en el fondo del escenario. A su vez, los compositores pueden dar precisiones. Para que sus pastores conversaran a la distancia, en la Sinfonía fantástica , Berlioz ordena que un oboe y un corno inglés estén lo más lejos posible uno de otro. Para conseguir algunas sonoridades específicas, Mahler, en incontables ocasiones, indica qué instrumentos deben tocar desde algún lugar fuera del escenario. ¿Qué diferencias se obtienen con estos cambios? Mínimas y muy sutiles: alguna densidad sonora especial en algún sector, una textura contrapuntística más clara, algún empaste más pronunciado en algún punto. Obviamente, en las grabaciones nada de esto puede ser percibido y son propuestas sólo destinadas a los testigos presenciales. Tal vez sea ésta otra razón para seguir prefiriendo siempre la música en vivo, con la orquesta ahí, sobre el escenario.


Por Pablo Kohan

Los instrumentos de la Orquesta Sinfónica se agrupan en tres secciones:

    * Sección de cuerda: cuerda frotada, cuerda pulsada y cuerda percutida
    * Sección de viento: viento metal y viento madera
    * Sección de percusión: percusión afinada y percusión no afinada

El violín (etimología: del italiano violino, diminutivo de viola o viella) es un instrumento de cuerda frotada que tiene cuatro cuerdas afinadas por intervalos de quintas: sol₂, re₃, la₃ y mi₄ (según el índice acústico Franco-Belga). La cuerda de sonoridad más grave (o "baja") es la de sol₂, y luego le siguen, en orden creciente, el re₃, la₃ y mi₄. En el violín la primera cuerda en ser afinada es la del la; ésta se afina comúnmente a una frecuencia de 440Hz, utilizando como referencia un diapasón clásico (de metal ahorquillado) o, desde el siglo XX, un diapasón electrónico. En orquesta y agrupaciones el violín suele ser afinado a 442Hz, ya que las condiciones del medio como la temperatura, o la progresiva destensión de las cuerdas hace que éstas se desafinen, y para compensarlo se afinan algo por encima.

Las partituras de música para violín usan casi siempre la clave de sol, llamada antiguamente "clave de violín". El violín tiene la característica de no poseer trastes, a diferencia de la guitarra, lo que dificulta el aprendizaje. Es el más pequeño y agudo de la familia de los instrumentos de cuerda clásicos, que incluye el chelo, la viola y el contrabajo (en inglés, double bass; es decir, ‘doble bajo’), los cuales, salvo el contrabajo, son derivados todos de las violas medievales, en especial de la fídula.

Los materiales que se emplean en la flauta pueden comprender entre madera, alpaca (más conocida como plata alemana) que es de lo que generalmente están hechas las flautas para los alumnos principiantes y por último podemos encontrar de forma completa o combinada la plata, el oro e incluso el platino. El uso de los diferentes tipos de materiales vendrá determinado primeramente al gusto del flautista pero hay otros factores que pueden decidir qué material preferir, como por ejemplo la proyección del sonido en los diferentes tipos de materiales y su color. Por ejemplo, el color del sonido de una flauta de oro es cálido mientras que el de una flauta de plata es más brillante. Los materiales metálicos de la flauta se suelen combinar entre las diferentes partes de las flautas. Suele hacerse así por motivos económicos, como por ejemplo tener una flauta con la cabeza de plata y el resto de alpaca, o la flauta entera de oro y las llaves de plata.

Las flautas no forman parte de la familia de los instrumentos de viento de metal sino que dentro de la clasificación usual de los instrumentos de la orquesta sinfónica, por su sonido se encuentran en el grupo de los instrumentos de madera junto con los de las familias del clarinete y del oboe, esto es, los instrumentos de lengüeta simple y doble. En la clasificación formal que estudia la Organología, las flautas pertenecen a la familia de los instrumentos de bisel (que desde muy antiguo se han fabricado de madera) independientemente del material de que estén fabricadas.

El clarinete tiene su origen en un antiguo instrumento popular francés: el chalumeau, que era un instrumento de lengüeta simple con 7 agujeros. En el siglo XVII un clarinetista alemán llamado Johann Christoph Denner le agregó una llave para el pulgar de la mano izquierda (portavoz), que permitía producir una nueva gama de sonidos, una duodécima por encima de la nota original. Esto marca el comienzo de la evolución del instrumento hasta su estado actual, en el que hay fundamentalmente dos tipos de clarinetes según el mecanismo: el sistema Boehm usado en casi toda Europa, Asia y América y el Öhler utilizado en Alemania, Austria y algunos países de ese entorno.

Igualmente el clarinete ha participado de la revolución musical que supuso, y supone, el jazz. Desde su integración incontestable en las primeras agrupaciones jazzísticas y en las big bands hasta la existencia de grandes instrumentistas de jazz que tomaron el clarinete como vehículo de expresión.

 l oboe (francés: hautbois, 'madera alta o aguda' )^{?[1] [2]} es un instrumento musical de la familia viento madera, de taladro cónico, cuyo sonido se emite mediante la vibración de una lengüeta doble que hace de conducto para el soplo de aire. Su timbre se caracteriza por una sonoridad penetrante, mordente y algo nasal, dulce y muy expresiva.^[3]

Conocido desde la Antigüedad, el instrumento ha evolucionado en el espacio y el tiempo con una amplia diversidad fruto de la creatividad de las civilizaciones y culturas, que han permitido que siga usándose en la actualidad. Los oboes tradicionales (bombarda, cornamusa, duduk, gaita, hichiriki y zurna) y los oboes modernos (oboe pícolo, oboe, oboe de amor, corno inglés y oboe barítono) forman una gran familia con múltiples facetas.^[4]

Empleado en solo, música concertante, música de cámara, orquesta sinfónica o banda musical, el oboe moderno representa en la orquesta al conjunto de la familia. Las obras para oboe proceden esencialmente del repertorio barroco (Bach) y clásico (Mozart), y tras su renacimiento, del Siglo XIX (Robert Schumann) hasta nuestros días (Berio).

Según la RAE, la persona que toca el oboe se denomina oboísta.^[5] El término oboe lo han utilizado también los organólogos como nombre genérico para un instrumento de doble lengüeta de taladro cónico. Asimismo puede referirse a un tipo de registro de órgano.[6

 La soprano es la voz femenina más aguda y también la persona que canta con esa voz.^[1] La soprano tiene un timbre claro y brillante. En contextos corales y operísticos, las sopranos suelen llevar la melodía. El término español fue tomado del italiano soprano (que significa ‘soberano, superior’). Éste a su vez proviene del latín súper, supra: ‘sobre, por encima de’.

Se llama tenor al cantante cuya tesitura está situada, dentro de las cuatro voces básicas, entre la del alto y la del bajo. En armonía coral es, igualmente, la voz más aguda que el bajo.

La palabra tenor viene del latín tenere: ‘sustentar’, debido a que en la música eclesiástica del Renacimiento, el tenor sustentaba notas largas mientras que las otras voces cantaban cambiantes melismas vocales.

En las notas graves que comparte con el contratenor (de voz más aguda que el tenor) la voz del tenor se distingue por su timbre claro y brillante, por la resonancia pectoral de su voz. Igualmente, en las notas graves que comparte con el barítono (voz masculina que se encuentra entre el tenor y el bajo), la voz del tenor se oye ligeramente oscura, ya que el barítono tiene un registro grave mucho más rico.

U2 en el Madison Square Garden, 2005.
Información personal
Origen	Dublín,  Irlanda
Información artística
Género(s)	Rock alternativo, rock, post punk, college rock, dance rock[1]
Período de actividad	1976 - actualidad
Discográfica(s)	Interscope (1997-presente) Island/Universal (1979-1997)
Web
Sitio web	www.u2.com
Miembros
Bono The Edge Adam Clayton Larry Mullen

U2 (IPA: /ju.tu/) es una banda de rock de Dublín, Irlanda. Formada en 1976, U2, es una de las bandas más populares del mundo desde mediados de la década de 1980. Ha vendido más de 170 millones de discos alrededor del mundo,^[2] tiene seis álbumes que han llegado al número 1 en la lista de éxitos en los Estados Unidos y otros nueve en el Reino Unido. U2 es uno de los grupos con mayor éxito de todos los tiempos. Han sido galardonados con 22 premios Grammy, la cifra más alta para un artista de rock.^[3]

La banda se formó cuando Bono (vocalista y guitarrista), The Edge (guitarrista, teclado y vocalista) y Adam Clayton (bajo) respondieron a un anuncio puesto por Larry Mullen Jr. (batería y percusión). En aquel momento, los miembros de la banda eran adolescentes con un limitado conocimiento musical. A mediados de los años 80, sin embargo, ya habían lanzado cuatro discos y tenían repercusión internacional, en gran parte a sus grandes giras y como consecuencia del sonido particular basado en la guitarra de The Edge y en la voz apasionada y las letras introspectivas de Bono, alcanzando altas cotas de popularidad con el lanzamiento en 1987 de su álbum The Joshua Tree.^[4] A comienzos de la década de 1990, respondieron a la revolución de la música alternativa y dance con el exitoso Achtung Baby y el más novedoso Zoo TV Tour, que acarreó críticas a su imagen, así como opiniones especializadas que sugerían cierto estancamiento musical.

En los primeros años del siglo XXI, U2 ha continuado su carrera con un sonido más tradicional, mientras mantiene algunas influencias de sus exploraciones musicales anteriores y continúa disfrutando de un gran nivel de éxito comercial y de crítica. En el 2004, la revista Rolling Stone colocó a U2 en el lugar 22 de su lista de los "100 artistas más grandes de todos los tiempos".^[5] En el 2005, U2 fue incluida en el Salón de la Fama del Rock, el primer año en que podían ser elegidos. La banda es conocida por ser políticamente activa en diversas causas de derechos humanos y justicia social, como Amnistía Internacional, Make Poverty History, the ONE Campaign, Live Aid, Live 8, la campaña de DATA (Debt, AIDS, Trade in Africa) y el Music Rising de The Edge.

Coldplay!!:)

Coldplay
Integrantes de la banda. De izquierda a derecha: Guy Berryman, Jonny Buckland, Chris Martin y Will Champion.
Información personal
Origen	Londres, Inglaterra
Información artística
Género(s)	Rock alternativo, britpop[1]
Período de actividad	1998 – presente
Discográfica(s)	Parlophone (RU, Canadá) Capitol Records (EE. UU.) EMI (Latinoamérica/Asia)
Web
Sitio web	www.coldplay.com
Miembros
Guy Berryman Jon Buckland Will Champion Chris Martin

Coldplay es una banda inglesa de rock. Formada el 17 de mayo del año 1998 en Londres, está conformada por el vocalista, pianista y guitarrista Chris Martin, el guitarrista Jonny Buckland, el bajista Guy Berryman, el batería Will Champion y Phil Harvey. Coldplay consiguió reconocimiento internacional con la publicación de su sencillo Yellow en el año 2000, seguido por el éxito de su álbum debut, Parachutes.

Por sus primeros trabajos, Coldplay fue a menudo comparado con bandas como Radiohead y U2, así como con a-ha debido principalmente a que algunos miembros de la banda colaboraron en su juventud con Magne Furuholmen, del grupo a-ha. Desde el lanzamiento del álbum debut de la banda, Parachutes, Coldplay ha tomado diversas influencias, incluyendo a Echo and the Bunnymen y George Harrison en A Rush of Blood to the Head (2002) y a Johnny Cash, Kraftwerk y Depeche Mode en X&Y.

Coldplay ha apoyado activamente a varias organizaciones, como a Oxfam, en su campaña Make Trade Fair, y a Amnistía Internacional. También se ha hecho presente en varias obras de caridad como Band Aid, live 8 y el Teenage Cancer Trust.

Mick Jagger, vocalista de The Rolling Stones, en una entrevista a The Sun, dijo que pensaba que U2 y Coldplay podrían llegar a ser sus sucesores.

Coldplay tuvo en 2005 el álbum mas anticipado y vendido del año con X&Y, y en 2008 con el álbum Viva la Vida or Death and All His Friends el más descargado digitalmente de la historia asi como el álbum mas vendido del año.

Se estiman un total de ventas entre los 40 y 50 millones de copias en el mundo.

Remember those walls I built
Well baby they’re tumbling down
And they didn’t even put up a fight
They didn’t even make a sound
I found a way to let you in
But I never really had a doubt
Standing in the light of your halo
I got my angel now

It’s like I been awaking
Every rule I had you breaking
It’s the risk that I’m taking
I ain’t never gonna shut you out

Everywhere I’m looking now
I’m surrounded by your grace
Baby I can see your halo
You know you’re my saving grace
You’re everything I need and more
It’s written all over your face
Baby I can feel your halo
Prey it won’t fade away

I can feel your halo, halo, halo
Can see your halo, halo, halo
Can feel your halo, halo, halo
Can see your halo, halo, halo

Hit me like a ray of sun
Burn into my dark night
You’re the only one that I want
And I’m addicted to your light
I swore I’d never fall again
But this don’t even feel like falling
Gravity [...]
To pull me back to the ground again

Feels like I been awaking
Every rule I had you breaking
The risk that I’m taking
I'm never gonna shut you out

Everywhere I’m looking now
I’m surrounded by your grace
Baby I can see your halo
You know you’re my saving grace
You’re everything I need and more
It’s written all over your face
Baby I can feel your halo
Prey it won’t fade away

I can feel your halo, halo, halo
Can see your halo, halo, halo
Can feel your halo, halo, halo
Can see your halo, halo, halo
Can feel your halo, halo, halo
Can see your halo, halo, halo
Can feel your halo, halo, halo
Can see your halo, halo, halo
Halo, halo

Everywhere I’m looking now
I’m surrounded by your grace
Baby I can see your halo
You know you’re my saving grace
You’re everything I need and more
It’s written all over your face
Baby I can feel your halo
Prey it won’t fade away

I can feel your halo, halo, halo
Can see your halo, halo, halo
Can feel your halo, halo, halo
Can see your halo, halo, halo
Can feel your halo, halo, halo
Can see your halo, halo, halo
Can feel your halo, halo, halo
Can see your halo, halo, halo

Una mujer que me quiera
que me trate a su manera
de la palabras sinceras
que me de la vida entera

mariah gots en brada,
got vivi van flada
she wears some prada,
dolce & gabbana

ella no es mala
sólo picara en la cama
la mujer latina es dama
comunícate a la habana

Costa rica, venezuela
Panamenia y mejicana
ya yo tengo mama

Chorus

Mariah Mariah,
yo te quiero cada dia más
ay yo no se como decírtelo
que yo te quiero cada día más
Mariah Mariah,
que yo no sé como explicarte más

que lo que siento es verdadero amor
Cómo pudiera convencerte ya

Cómo explicar, como decirte Mira!
YO te quiero, yo te adoro
yo te amo,yo te anorio
yo te siento, yo te extranio
no te miento, me haces danio
cuando dices que no te quiero
cuando dices que no te quiero
que no te quiero
cuando dices que no te quiero
que no te quiero
cuando dices que no te quiero
que no te quiero

(BIS)

La Historia de la música es el estudio de las diferentes tradiciones en la música y su ordenación en el tiempo.

Dado que toda cultura conocida ha tenido alguna forma de manifestación musical, la Historia de la música abarca a todas las sociedades y épocas, y no se limita, como ha venido siendo habitual, a occidente, donde se ha utilizado la expresión historia de la música para referirse a la historia de lo que actualmente se denomina música docta (incorrectamente llamada música clásica).

La expresión de las emociones y las ideas  a través de la música está estrechamente relacionado con todos los demás aspectos de esa misma cultura, como la organización política  y económica , el desarrollo técnico, la actitud de los composiciones  y su relación con los oyentes, las ideas estéticas  más generalizadas de cada comunidad, la visión acerca de la función del arte  en la sociedad , así como las variantes biográficas de cada autor .

En su sentido más amplio, la música nace con el ser humano, y ya estaba presente, según algunos estudiosos, mucho antes de la extensión del ser humano  por el planeta, hace más de 50.000 años.Es por tanto una manifestación cultural universal.

La música (del griego: μουσική [τέχνη] - mousikē [téchnē], "el arte de las musas") es, según la definición tradicional del término, el arte de organizar sensible y lógicamente una combinación coherente de sonidos y silencios  utilizando los principios fundamentales de la melodia , la armonia , el ritmo  y el timbre, mediante la intervención de complejos procesos psico-anímicos. El concepto de música ha ido evolucionando desde su origen en la antigua Grecia, en que se reunía sin distinción a la poesía, la música y la danza como arte unitario. Desde hace varias décadas se ha vuelto más compleja la definición de qué es y qué no es la música, ya que destacados compositores, en el marco de diversas experiencias artísticas fronterizas, han realizado obras que, si bien podrían considerarse musicales, expanden los límites de la definición de este arte.

 
Este es un post se va a dedicar a bandas que se inician en la música (starter band) son bandas poco apreciadas por la sociedad ya que no se conocen pero algunos con mucho talento acaban siendo famosísimos.

Aqui voy a poner algunas de estas muchas:

Abadí:

Un grupo andujareño poco famoso pero que ha tenido conciertos y va a tener otro concierto el proximo 31 de Octubre (2009) en Pedroche.

aqui os dejo su página oficial 

Sons of Rock

Es un grupo de rock madrileño que nació en 2007 en julio grabaron su primer disco titulado "Sons of rock" desde entonces han empezado a dar conciertos en lugares más importantes por ejemplo: en algunas salas conocidas de madrid.

En junio de este año ganaron un concurso llamado ''Destino: Rock in rio'' patrocinado por El corte inglés.

En agosto de 2008 grabaron su 2º disco titulado de ''Police is at my door'' y en la actualidad están de gira.

Su página oficial 

Yasmin Hofer (Yasi)

Empezó su carrera hace 4 años, cuando tocó una guitarra por primera vez, cuando ella tenía 12 años. Entonces desató su pasión por la música, en especial por el rock. El fruto de su duro trabajo vino dado por su actuación con su ídolo Steve Vai, cuando ella tenía 14. 

Desde entonces, ha actuado en muchos conciertos por alemania, con varios grupos (Hells Belles, Vyrus), y su carrera despegó. Le cogió una discográfica Heckmanns Sounds, con su disco "Yasi sounds like Vai" por influencia de Steve. 

Actualmente, tiene 16 años y se está preparando en un grado de música superior. Está muy ocupada porque dice textualmente que quiere ser un músico consumado, aunque ya es una virtuosa. Su página oficial, aquí

Aire (tiempo o movimiento) es la velocidad con que se tiene que interpretar una obra musical. Son palabras italianas que se coloca encima del pentagrama, al principio de la composición:

 Termino Italiano, Significado

Grave, muy, muy despacio

Lento, muy despacio

Adagio, despacio

Andante, tranquilo

Moderato, moderado

Allegreto, alegre

-Para las personas que se empiecen a interesar por este instrumento desde pequeño; debéis tener en cuenta varios aspectos:

1. Su calidad sonora, que viene a ser dada por la marca de la propia. Así como Gibson (personalmente muy buena, pero si no te quieres gastar mucho dinero, Epiphone es una submarca de Gibson para presupuestos ajustados), Fender, Ibanez (la de la foto es Steve Vai signature, muy buena) Yamaha (modelo Pacífica 112v es buena para todos los sonidos y estilos), las Cort son también buenas. La calidad de las maderas, es insuperabla Godin, pero demasiado caro si no eres músico profesional. Las pastillas influyen en el tipo de sonido, sugieriendo un estilo al propietario.

2.Dicen que su forma influye en el sonido, pero lo fundamental de la forma es la comodidad que tenga el dueño de la guitarra con ella.

3.La parte electrónica de la guitarra, que no tenga limitaciones de vatios demasiado bajos, y que funcione perfectamente.

4.Además, si queréis aprender bien, debéis tener un profesor que os enseñe las escalas y modos, acordes y toda la teoría. Y si ya sabes algo, te recomiendo aprender el riff de una canción periódicamente, para no dejar de tocar.

-Para saber tocar como Van Halen o Steve Vai, debéis tocar todos los días lo que podáis, no dejarlo. Así en 2 años sabrás manejarte bastante bien.

Es uno de los seis bloques en que se estructura el aula de música:

Lenguaje musical: Acerca al alumno a los conceptos básicos del lenguaje musical, notas musicales, figuras, pentagrama, compases, etc. Este bloque está organizado en tres niveles de dificultad con actividades autoevaluables por los propios alumnos.

Instrumentos de la orquesta: Se muestra un libro virtual en el que se explican diferentes términos. Comienza explicando qué es la orquesta sinfónica, acompañando sus páginas de fotografías. Se enseñan, al pasar cada una de las páginas los instrumentos de cuerda, madera, metal y percusión. Además se podrán realizar actividades relacionadas con cada uno de ellos.

Historia de la música: Contiene información sobre los diferentes periodos de la historia de la música desde la Edad Media hasta el s.XX, con actividades autoevaluables para cada uno de los periodos.

Compositores: Aquí se pretende acercar la vida y obra de algunos compositores clasificados por el periodo histórico en el que vivieron y contiene un cuestionario.

Ritmo: Actividades realizadas con Java que trabajan el aspecto rítmico de la música. Consiste en asociar cada fragmento que se escucha con su correspondiente escritura.

1944 en Granada, nació uno de los mayores músicos que viera España y el mundo, Miguel Ríos Campaña, el que popularizó el Rock español.

 Inició su carrera como cantante de grupos pop-rock (Los Relámpagos, Los Canarios) y alcanzó su primer gran éxito con la adaptación del Himno a la alegría de Beethoven (1969). De su extensa discografía, que le ha convertido en uno de los músicos más populares del rock español, destacan: "Los viejos rockeros nunca mueren" (1979), "Rock de una noche de verano" (1983), "Rock en el ruedo" (1985), El "año del cometa" (1986) y "Directo al corazón" (1991).

En 1996 participó, junto a Ana Belén, Víctor Manuel y Joan Manuel Serrat en la gira "El gusto es nuestro", que recorrió con gran éxito la geografía española y de la que se grabó un disco. En 1997, al celebrarse su 35 aniversario en los escenarios, presentó "Como si fuera la primera vez"   

 Isaac Albéniz

Isaac Manuel Francisco Albéniz, nació en 1860 en Camprodón (Gerona) y murió en 1909 en Cambó-les Bains(Pirineo francés).

Fue un pianista precoz que, desde su primer concierto a los cuatro años, recorre España como niño prodigio. Huye de casa a los nueve para llevar una vida aventurera de viajes y "tournées", continuada, tras embarcar como polizón, por Sudamérica, Estados Unidos y otros países.

Más tarde perfecciona sus estudios en Bruselas con una beca, sentando la cabeza, y a partir de los contactos con Felipe Pedrell se consagrará de lleno a la música. Después de permanecer en Barcelona, pasa por Madrid, Londres y por fin Paris, donde trabaja en la Schola Cantorum relacionándose de forma beneficiosa con músicos como Dukas, Fauré o Debussy, influyendo claramente el impresionismo francés en su posterior escritura pianística.

Entre sus más de 300 piezas, agrupadas a menudo en colecciones, destacan las dos Suites Españolas, los Cantos de España y sobre todo las 12 piezas de la Suite Iberia, de moderno y personalísimo lenguaje, deslumbrante virtuosismo e inspiración inagotable. Plenas de meridional lirismo, ritmo y colorido son, con mucho, su obra maestra y una de las más importantes de la literatura pianística universal.

Tras su muerte el gobierno francés le concedió la Gran Cruz de la Legión de Honor.

Cinco paquetes de actividades que utilizan los recursos sonoros de Windows (sonido digital y MIDI) para trabajar los distintos aspectos del currículum de música: "Lenguaje musical", "Formas musicales", "Práctica instrumental", "Los instrumentos de la orquesta" y "La música en la historia".

 musicaes.exe (331 Kb)